La semana pasada nos reunimos para comentar El año que vimos nevar y para repartir la nueva lectura del mes, Lobo.
Curiosamente, a pesar de que Fermín Solís tiene a su espalda una docena de títulos, algo más que meritorio en nuestro país, a la mayoría de los asistentes no les gustó demasiado. El problema no era el estilo, ni siquiera la historia que contaba, sino lo larga que resultaba para lo poco que contaba. Y es que es muy difícil contar una buena historia con escasa acción, y el ritmo no siempre es el ideal.
Lo que sí que hizo mucha ilusión a los compañeros fue la nueva lectura, Lobo, un personaje mítico de los años 90 del que todos, yo incluido, hemos oído mucho pero leído poco. Y es que Lobo tuvo unos primeros números excelentes que, con el cambio de autores y el deseo de la editorial explotar al máximo su éxito, fueron sucedidos por una serie regular con bastante poca gracia, que en ocasiones parecía una parodia de sí misma. Lo que vamos a leer este mes son aquellos primeros números que conquistaron a varios millones de lectores.
La semana pasada volvimos a reunirnos, esta vez para comentar las dos lecturas de la quincena: Trafalgar y Solano, de Rafael Marín, Mateo Guerrero y Alberto Foche. Mi interés era doble en esta ocasión, puesto que trabajo como asesor histórico del proyecto.
Aunque Trafalgar gustó, dejó sabor a poco, no porque sea mala historieta, sino por lo rápido que se lee, sobre todo por no poseer bocadillos. En Solano sí que hubo posturas encontradas, porque a unos pocos les parecía que destilaba un tufillo pedagógico, y a la mayoría no les gustaba el dibujo, correcto en las formas, pero demasiado superheroico, con los uniformes militares increíblemente ceñidos y las expresiones faciales demasiado cercanas a las de los tebeos donde hay buenos muy buenos y malos muy malos. El color tampoco terminó de gustar, y ahí sí que me sumo, porque daba una sensación de que todo brillaba, incluso las ropas de tela gruesa y los edificios de roca maciza.
De paso, aprovechamos para comentar los próximos proyectos de la Tebeoteca, la presentación del cómic La guarida del Leviatán y los ciclos de cine que comenzaremos en abril, que abriremos con Ponyo en el acantilado. También, como viene siendo habitual, repartimos la siguiente lectura Muerte: el alto coste de la vida.
El pasado viernes tuvimos la primera reunión del año, en la que comentamos Ghost in the Shell, el mítico manga de Masamune Shirow.
Sin embargo, a pesar de ser todo un clásico, a la mayoría de los compañeros y compañeras no les gustó demasiado la lectura. Llevan razón en sus críticas: la historieta está bien dibujada, pero el lenguaje cyberpunk, las molestas notas al pie que no aclaran nada e interrumpen la lectura y la carencia de un hilo conductor hacen difícil conectar con la historieta.
A pesar de todo, hay que quitarse el sombrero ante la genialidad del autor: aunque escrita en los años 90, muchas de las ideas que aporta sobre la informática y el cyberespacio no sólo siguen siendo comprensibles hoy día (a diferencia de clásicos de la novela cyberpunk como Neuromante, donde se demuestra el desconocimiento tecnológico del autor), sino que además han servido de inspiración a obras como Matrix.
Esperemos que la próxima lectura guste más. Los dos primeros tomos de 12 del Doce van a llevar a nuestros lectores y lectoras del futuro próximo al lejano pasado de 1805 y 1808. ¡Ya veremos qué les parece!
La semana pasada tuvimos la última reunión del Club de la Historieta en el curso 2008/2009, y ocurrió algo curioso… ¡no hablamos prácticamente nada de El Eternauta!
Como a todos nos había gustado la lectura y además coincidimos en la carga política de la historia (invasores de fuera que manipulan a la gente del interior para controlar el país… una visión muy certera de Latinoamérica durante la Guerra Fría) y con la maestría de los autores para narrar un relato por entregas, enseguida pasamos de un tema a otro y hablamos de todo, principalmente de otras historietas.
Pero hablar sobre viñetas nunca es tiempo perdido, y pasamos un buen rato comentando historias clásicas, aconsejando lecturas baratas (actualmente lo más rentable, si se conoce la lengua inglesa, son los tomos Essential y Showcase que recopilan historias clásicas de las grandes editoriales Marvel y DC), dando ideas sobre las lecturas del próximo año, etc.
La próxima reunión, en Septiembre, cuando repartamos las camisetas a los participantes de esta primera edición.
El pasado día 17 de julio nos reunimos una vez más, con una calor tremenda, para hablar de El almanaque de mi padre. Nos reunimos menos gente de lo habitual, pero igualmente pasamos un rato agradable hablando de manga y cómics en general.
Es divertido comprobar que mucha gente sigue teniendo la idea de que el manga es solamente para adolescentes, aunque obviamente leer a Jiro Taniguchi les hace ver las cosas de otra manera. También hubo bastante interés por conocer cómo era el método de producción del manga japonés. De hecho, se está volviendo algo habitual que en todas las reuniones en las que sale el tema de las historietas japonesas me acaben preguntando por cómo se realizan. Al respecto la Tebeoteca cuenta con una obra estupenda, cargada de ilustraciones y datos que hará las delicias de cualquiera que tenga interés en el tema: Manga. La era del nuevo cómic.
La siguiente reunión, la última del curso 2008/2009, será a mediados de agosto… ¡esperemos no derretirnos hasta entonces!
A continuación incluimos una reseña del Almanaque de mi padre originalmente publicada en El lector impaciente, del amigo Pablo:
Dentro del manga, y del cómic en general, hay multitud de corrientes y modas, autores clónicos de otros que practican un dibujo despersonalizado que ni cuenta ni transmite. Sin embargo, también hay autores que escapan de cualquier tipo de etiqueta para seguir su propio camino y demostrar las posibilidades –infinitas- del medio que han elegido para expresarse. Entre estos últimos, uno de los más interesantes es Jiro Taniguchi, un autor personal e inclasificable dispuesto a ofrecernos desde su particular mirada historias costumbristas, cercanas y cotidianas cargadas de sensibilidad y que se comunican con lo más hondo de cualquier lector más allá de su cultura y formación, con más grandeza quizás que aquellas que explotan una épica hueca. Todos esos elementos se unen en El almanaque de mi padre.
En esta obra, Taniguchi nos cuenta la historia de cómo Youichii, un joven fotógrafo japonés debe trasladarse desde Tokyo a su pueblo natal para el entierro de su padre. En el tradicional velatorio japonés en el que los familiares y amigos del difunto celebran un banquete en su honor. Youichi irá descubriendo a través de los testimonios de los asistentes cómo su padre fue una persona muy diferente a la que él recordaba y, como su visión infantil, deformó la figura paterna achacándole la responsabilidad del divorcio de sus padres y el abandono del hogar de esta.
Taniguchi muestra una capacidad innata para mantener el ritmo y la atención del lector mediante una meticulosa planificación de la historia, dividiéndola en capítulos a través de los que describe de manera gradual el cambio de actitud del protagonista respecto a su padre difunto, alternando la narración entre el pasado y el presente con cuidados y largos flashbacks y fluidas transiciones. El estilo de Taniguchi resulta evocador y poético –proustiano, por momentos, sobre todo en la imagen del primer capítulo del niño rememorando su primer recuerdo junto a su padre- utilizando el cuadro de texto para acentuar la evocación introspectiva en primera persona del protagonista y complementar la narración gráfica sin solaparla. A nivel gráfico, Taniguchi se muestra como un dibujante realista de trazo fino y claro, con un excelente dominio de la figura humana sin descuidar ningún detalle en ningún momento logrando un cómic sobresaliente.
El almanaque de mi padre es la obra más conocida y premiada de Jiro Taniguchi. En España ha contado con dos ediciones por parte de Planeta ninguna de las cuales se encuentra a la altura de las excelencias que esta obra merece. La primera de hace unos años fue en tres volúmenes de tapa blanda dentro de la Biblioteca Pachinco. La segunda, y más actual, a través de un tomo recopilatorio integral que reúne la obra completa en un formato de tapa dura tipo libro en el que sólo mejora la calidad del papel pero no así de la edición, apareciendo recargadas y emborronadas las primeras páginas con lo que se pierde parte del trazo del autor y prescindiendo de fotografías y un epílogo escrito por el propio Taniguchi que aparecían en la anterior edición y persistiendo en errores como la incorrecta traducción del título de la obra. Sin embargo, el fallo más grave es la duplicación de una de las páginas lo que ha motivado la retirada de la edición por parte de la editorial aunque quizás todavía puedan encontrarse ejemplares en venta. Esperemos que esta decisión motive a Planeta el replantearse el tratamiento que ha dado a esta obra y aproveche la retirada como una nueva oportunidad para ofrecer una edición digna de unos de los mejores cómics publicados en los últimos años.
El pasado viernes volvimos a reunirnos El Club de la Historieta, en teoría para hablar de Conan: Clavos Rojos, aunque al final hablamos de muchos más cómics e incluso de cine.
En general, la historia que leímos del bárbaro creado por Howard y revitalizado por Roy Thomas y Barry W. Smith gustó, aunque obviamente no pudo competir con Arrugas.
Uno de los problemas del cómic, o mejor dicho de la edición, es el coloreado por ordenador que se le ha aplicado. La historia original se ideó para ser publicada en blanco y negro, razón por la que posee un trazo impresionante que en esta edición queda mitigado a causa del mal hacer del colorista, que pretende dar profundidad e insinuar formas en viñetas que no lo requieren. Otro de los problemas es que la historia, a pesar de su buen ritmo, se queda corta y deja demasiados aspectos en el aire (el origen de la ciudadela, por ejemplo). Eso sí, todos coincidieron en que era una lectura amena y una aventura trepidante.
Entre otras muchas cosas que comentamos además del cómic, surgió la idea de ver algunas películas relacionadas con cómics y manga en los meses de verano, aunque aún no hemos decidido con qué empezar… ¿algo retro como la serie de Batman de los 60, la serie de Spider-Man japonesa o la película de Spider-Man turca?, ¿alguna película de superhéroes?, ¿anime japonés? Ya iremos viendo.
La mayoría de la gente que conoce a Conan tiene una visión bastante errónea del personaje, los más jóvenes a causa de las series de animación Conan the Adventurer (1992-1993) y su sucesora Conan and the Young Warriors (1994) y de la serie con actores de carne y hueso Conan: The Adventurer (1997-1998); los más talluditos recuerdan al personaje interpretado por Arnold Schwarzenegger en Conan the Barbarian (1982) y Conan the Destroyer (1984).
Conan es acompañado por un grupo de niños con los que el espectador infantil debería haberse identificado. El resultado fue una historia ñoña y carente de fuerza, donde Conan perdía todos los elementos que lo habían hecho atractivo al público.
En el mejor de los casos podríamos decir que todas estas adaptaciones resultaron ser pobres y pálidas caricaturas del personaje que creara Robert E. Howard (1906-1936) a comienzo de los años 30. El Schwarzenegger se queda en la proeza física y en la violencia, mientras que las series de animación se centran en la aventura descafeinada donde las espadas se usan para desarmar y Conan nunca mata ni es herido. De la serie de imagen real mejor no hablar, puesto que fue un intento de repetir el éxito de Hércules y Xena.
El cine no fue capaz de reflejar el universo mágico y fantástico de Conan, enseñando en su lugar un escenario que mezclaba lo medieval con lo puramente prehistórico.
¿Cómo era, entonces, el personaje que crease Howard? Un bárbaro de gran fuerza, efectivamente, que se dejaba llevar por sus pasiones a la primera de cambio… pero también era un personaje astuto que saboreaba la vida, pues bien sabía que vivía en un mundo de continua violencia. Sus batallas, crueles y sangrientas, no le convertían en un carnicero, sino en un héroe que poseía su propio código moral.
A comienzos de los años 70, cuando Marvel Comics comenzaba a expandir horizontes y los superhéroes aún no dominaban todo el panorama tebeístico, el guionista y editor Roy Thomas llegó con una idea: adaptar Conan a las viñetas. Acompañado de un dibujante cuyo estilo bebía en exceso del maestro Jack Kirby, un jovenzuelo inglés llamado Barry Windsor-Smith, las primeras aventuras de Conan no despertaron entusiasmo entre los lectores. Sin embargo, sus historias supieron mezclar esa sensación de magia y fantasía, acción realista y trepidante, mundo extraño y a la par conocido que Howard logró transmitir en sus relatos: varios premios motivaron a los autores y a la editorial a no cerrar la serie. Fue una buena decisión: los guiones de Thomas llegaron a cotas nunca antes vistas en un comic book de fantasía, el dibujo de Windsor-Smith no paró de evolucionar llegando a una cotas de preciosismo pocas veces igualadas.
El dibujo de Windsor-Smith posee una fuerza y una belleza apabullantes, que el lector sólo puede alcanzar a disfrutar plenamente cuando se reproduce en blanco y negro y a un tamaño superior al del comic book.
Conan: Clavos Rojos es la mejor obra conjunta de Thomas y Windsor-Smith. Adaptación del relato del mismo nombre de Howard, los elementos de fantasía, erotismo, acción y misterio convierten la obra en uno de los grandes clásicos del cómics de fantasía. La persecución de Valeria por el desierto muestra a un Conan salvaje, prácticamente un violador, pero también se nos desvela como un personaje astuto y fiero capaz de planear su mortífero ataque contra el letal “dragón”. Los elementos de fantasía y misterio quedan reflejados en esa ciudadela que existe en mitad de ninguna parte, cuya brutalidad hiela la sangre del propio bárbaro, pero cuyas escenas lésbicas insinuadas buscaban atraer la atención del joven lector.
El artista de esta portada de Weird Tales, revista pulp donde apareció por primera vez "Clavos Rojos", jugó magistralmente con las imágenes de desnudos y exotismo, mostrando a un mismo tiempo una escena erótica con reminiscencias lésbicas a la par que el terrible momento del sacrificio ritual. A nadie extraña descubrir que WT era una revista dirigida a jóvenes lectores.
Hay mejores historias de Conan (muchas de ellas de la mano del propio Thomas), pero pocas han captado tan bien y en tan limitado número de páginas la esencia de la era Hybórea y de la prosa de Howard. El dibujo trepidante, recientemente estropeado por un nuevo coloreado que tapa más que ensalza el arte de Windsor-Smith, muestra a un mismo tiempo el potencial artístico del cómic y su capacidad narrativa. Un clásico que debería ser conocido por todo amante del cómic.
El pasado viernes tuvo lugar la primera reunión del Club de la Historieta, donde comentamos la lectura que habíamos realizado: “Arrugas”.
En esta ocasión la maravillosa historia de Paco Roca hizo que los quince días que nos dimos de plazo para leer la obra fuesen muchos más de los necesarios: prácticamente todo el mundo se leyó la historia en una tarde.
Entre los puntos comunes estuvo el hecho de que a todos y todas les encantó la historia, aunque pasaron un mal rato tremendo debido a su dureza. Eso nos permitió debatir sobre la madurez de los cómics y escuchar la opinión de los dibujantes que habían venido: Isaac, Juanjo y Cris.
Y después de esta historia, una aventura ligera y magistralmente narrada, Conan: Clavos Rojos.
Esta semana me llegarán los 10 ejemplares de la novela gráfica Arrugas, de Paco Roca. Quedaré con los interesados a lo largo de la semana, repartiremos los ejemplares y volveremos a quedar aproximadamente el viernes 12 de Junio. Mientras tanto, aquí os dejo luna presentación a la obra, escrita por el guionista y novelista Rafael Marín:
No sé si le han dado ustedes una oportunidad a Arrugas. Los medios, desde luego, sí. Y sería quizá, si no se la han dado ustedes, uno de esos casos en que los medios son más inteligentes que los lectores habituales de tebeos, porque Arrugas es un tebeo sólido, entrañable, perfectamente narrado y dibujado, que aborda un tema que los tebeos normalmente no tratan (los personajes de los cómics son adolescentes o, como mucho, héroes en la frontera difusa de la treintena): la vejez y sus consecuencias, la soledad, el Alzheimer.
Sin embargo, no crean ustedes que Paco Roca (que es joven, simpático, calladito, una especie de Peter Pan, o al menos a mí me lo ha parecido siempre) nos cuenta una tragedia. Fruto de mil miradas y mil investigaciones, y quizá de mil temores que nos ha hecho comprender que tarde o temprano compartiremos todos, en Arrugas se nos presenta una pequeña comedia de costumbres, donde la ternura y el humor ocultan la tragedia de esos seres humanos, ancianos ya, que en la milla verde de un asilo esperan a la muerte o, aún peor, a la planta de arriba donde tendrán que volver a esperar, ya sin saberlo, la negritud de la muerte.
Paco Roca presenta su asilo como una especie de colegio de internos, y por eso no es extraño que algún bellísimo flashback retrotraiga a un par de personajes a su infancia, justo cuando Emilio recupera el recuerdo de su llegada a su primera escuela, y sobre todo en una de las escenas más bellas que recuerdo haber leído nunca: la caza de la nube. También, porque es consciente de que en el fondo los ancianos protagonistas están en un campo de prisioneros, existe la figura del conseguidor (…)
Los momentos de humor son abundantes, aunque Paco Roca no se corta y planta ante el lector algunos golpes a la mandíbula que dejan descolocados por su crudeza: la reacción a los ronquidos del viejo Félix y la elipsis de su resolución, por ejemplo. Atentos a la portentosa narrativa de las páginas 46 y 47, y sobre todo a la secuencia que se inicia en la página 95 y culmina en la 99, con esas dos planchas en blanco que contienen tanta reflexión, tanta magia, tanto miedo y tanto recuerdo del futuro.
Uno de los tebeos más impactantes que se han hecho en España a lo largo de su historia, duro y tierno, sin concesiones a los gustos lectores ni las imposiciones editoriales: sólo hace falta la visión de un poeta y la mano de un artista para dejar claro una vez más, por si alguien no se ha dado cuenta, de que no hay límites para la historieta, si quienes la trabajan tienen cosas que contar y compartir con todos nosotros.
